Cartelera de Cinemateca Uruguaya

Hay 8 planes publicados en Cinemateca Uruguaya desde hoy. Lo próximo: La línea de sombra, hoy a las 17:00.

mar, 10 nov

Montevideo · Cinemateca Uruguaya

Cine

La línea de sombra

Ciclo: Andrzej Wajda, en su centenario Polonia, Reino Unido, 1976. Dirección: Andrzej Wajda. Elenco: Marek Kondrat, Graham Lines, Tom Wilkinson. Duración: 100 min. Las peripecias de un joven marino que, tras abandonar su anterior destino en el mar, recibe inesperadamente el mando de un barco mercante inglés. Inspirado en una novela autobiográfica de Joseph Conrad, un drama marinero sobre el paso de la juventud a la madurez, la responsabilidad y la soledad del mando.

17:00 h

Ver detalles ↗

mar, 10 nov

Montevideo · Cinemateca Uruguaya

Cine

Elena Quinteros

Uruguay, 2026. Dirección: Aldo Novick. Música: Adrián Borgarelli, Betina Chaves, Fernando Goicoechea, Pablo Stanisich. Producción: Laura Antúnez Abdala. Elenco: Jimena Pérez, Estefanía Acosta, Josefina Trías, Martina Valverde, Gisella Marsiglia. Escenas de ficción de Ana Pañella Duración: 128 min. Maestra, militante política, integrante del grupo fundacional del Partido por la Victoria del Pueblo, Elena Quinteros fue detenida por integrantes de las Fuerzas Conjuntas de la dictadura uruguaya el 26 de junio de 1976 y llevada al centro de detención 300 Carlos, dependiente de la División de Ejército I, en la avenida de las Instrucciones 1925. En la mañana del 28 de junio, Quinteros se hizo conducir a las cercanías de la embajada de Venezuela tras convencer a sus captores de que allí tenía que encontrarse con un compañero de militancia. Allí intentó fugarse corriendo, saltando el muro e ingresando a los jardines de la Embajada. Gritó su nombre y pidió asilo. El personal de la embajada buscó socorrerla, pero policías y militares uruguayos la arrancaron a la fuerza, quienes enfrentaron a los funcionarios venezolanos y contaron con la complicidad de los policías a cargo de la custodia de la Embajada. Todo lo que ocurrió después, y que implicó una ruptura de relaciones entre Uruguay y Venezuela, fue negado por el gobierno dictatorial. Se sabe que Elena fue llevada con una pierna rota al Batallón de Infantería N.º 13, que el gobierno discutió y descartó la posibilidad de devolver a su prisionera a los venezolanos, y que se optó por “desaparecerla”. Ycontinúa desaparecida. Este documental recupera desde su título la figura, la trayectoria y la tragedia de Quinteros. La película reúne testimonios de docentes contemporáneos a Quinteros, compañeros de colegio y de Magisterio, personas vinculadas a su militancia y periodistas, entre otros participantes, combinando el registro documental con un breve fragmento ficcionado construido en torno a diálogos entre Elena, su amiga Teresa y su madre, Tota Quinteros. Las escenas son interpretadas por Jimena Pérez, Estefanía Acosta, Josefina Trías, Martina Valverde y Gisella Marsiglia, actrices vinculadas a la Comedia Nacional y el Teatro El Galpón, con dirección de escenas y casting a cargo de Ana Pañella. El director Aldo Novick ha señalado que le interesaba mucho “la época de Elena estudiante de magisterio, más allá de la Elena que deja la docencia para transformarse en una militante hasta su desaparición. La idea nuestra es contar la vida de una luchadora, de una militante, de una maestra con testimonios de gente que realmente la conoció y que podía contar sobre Elena”. El rodaje se desarrolló en catorce locaciones de Montevideo, Canelones, Paysandú y Buenos Aires. La película se suma así a la trayectoria documental de Novick, quien anteriormente realizó trabajos como Reserva natural Salus, Una aurora para el Greg Mortimer, Gallego -Manuel Capella, El valle sagrado y el documental Germán Araújo. Laura Antúnez Abdala trabaja junto a él en sus proyectos desde 1976.

17:15 h

Ver detalles ↗

mar, 10 nov

Montevideo · Cinemateca Uruguaya

Cine

La hija cóndor

Bolivia, Perú, Uruguay, 2025. Dirección: Álvaro Olmos Torrico. Guión: Álvaro Olmos Torrico. Fotografía: Nicoás Wong. Música: Cergio Prudencio, Marcelo Guerrero. Elenco: María Magdalena Sanizo, Marisol Vallejos Montaño, Nely Huayta. Duración: 109 min. Clara es una joven quechua de 19 años que vive en medio de las montañas de Los Andes, en Ayopaya, junto a su anciana madre adoptiva Ana (70). Ana es la partera de las comunidades quechuas de la zona y Clara, por designio tradicional, es la heredera del conocimiento y aprendiz de partera, rol que está destinado para personas elegidas de por vida. Después de una desconexión repentina entre Ana y Clara, esta última decide marcharse rumbo a la ciudad para ser cantante de huayno cumbia. Tras su partida, la comunidad empieza a sufrir la muerte misteriosa de animales y fracaso en sus cultivos, los cuales son atribuidos a la ausencia de Clara. Para recuperar el equilibrio en la comunidad y liberarla de la maldición, Ana emprende un viaje a la ciudad para buscar a su hija adoptiva y traerla de vuelta a las montañas. El director Olmos Torrrico cultiva un ritmo tranquilo aunque no lento, mezclando el quechua con el español en sus cortos pero directos diálogos y ofreciendo la visión del mundo rural frente al urbano, con sus diferencias y ritmos de vida. La historia plantea las contradicciones entre los deseos de libertad individual y las raíces tradicionales quechuas. La película tiene el acertado criterio de no incurrir en el fácil maniqueísmo de oponer la vida del campo como un paraíso y la de la ciudad como un infierno, sino que narra, con buen pulso, las dificultades de una comunidad indígena para poder perpetuarse sin perder sus tradiciones y creencias en un mundo que dista de comprenderlas. Hay pinceladas acerca del sentido de la pertenencia a un lugar, el intento de lograr los propios sueños y una clara reivindicación feminista ante el inevitable patriarcado. La historia de la joven Clara refleja los dilemas entre identidad, tradición, modernidad. y el contraste entre el entorno rural y la gran ciudad, invitando a reflexionar sobre cultura, comunidad y herencia cultural. Álvaro Olmos Torrico, nació en Cochabamba. Sus primeras películas fueron documentales y cortometrajes. En 2011 estrenó el documental de largometraje San Antonio, al que siguió en 2013 Diario de piratas para DocTv Latinoamérica, y en 2014 dio a conocer el mediometraje Matrimonio aymara. Ha dirigido varios documentales para televisión nacional e internacional, entre ellos El dios de la oscuridad y Libertad guaraní para la cadena Telesur Internacional. En 2019 estrenó Wiñay, su opera prima de ficción. La hija cóndor es su segundo largometraje de ficción como director.

17:30 h

Ver detalles ↗

mar, 10 nov

Montevideo · Cinemateca Uruguaya

Cine

Seis días en primavera

Bélgica, Francia, Luxemburgo, 2025. Dirección: Joachim Lafosse. Guión: Chloé Duponchelle, Joachim Lafosse, Paul Ismael. Fotografía: Jean-François Hensgens. Música: Reyn. Elenco: Eye Haïdara, Jules Waringo, Leonis Pinero Müller, Teodor Pinero Müller, Elizabeth Devos, Damien Bonnard, Elsa Rauchs, Karin Barras. Duración: 94 min. Una madre soltera lleva a sus hijos a una escapada secreta a la villa vacía de sus antiguos suegros en la Riviera. Lo que comienza como unas inocentes vacaciones de primavera se convierte en seis días bajo el sol que le cambian la vida. La estancia de la madre y los hijos en un entorno burgués, que choca con su actual precariedad, saca a relucir las diferencias de clase, los prejuicios, las presiones. La protagonista no tiene un centavo y está ahogada en esa precariedad. La lujosa mansión formó parte de su vida en un pasado que ya no le pertenece, es posible que no tenga permiso para usarla, y todo contribuye al conflicto interno en el que se desarrolla el asunto. La película encuentra su principal centro de interés en las contradicciones de su protagonista, que no busca recuperar un antiguo nivel de vida por ambición, sino ofrecer a sus hijos una sensación de estabilidad y normalidad que ya no puede garantizarles. Esa motivación convierte la historia en una reflexión sobre la pérdida, la frustración y el deseo de preservar la dignidad. El director Lafosse apuesta a un estilo sobrio, empeñado en eludir el melodrama. La cámara observa a los personajes con cierta distancia, y deja que las tensiones familiares afloren gradualmente, sin grandes escenas de confrontación. La historia parece sencilla pero no carece de complejidades: está llena de sentimientos encontrados y personajes heridos que tratan de encontrar una luz en el camino. Un fuerte apoyo es su actriz protagónica Eye Haïdara, que transmite el agotamiento interno, lleno de culpa y orgullo, de su personaje. Joachim Lafosse nació en Uccle, Bélgica, en 1975. Estudió en el Institut des arts de diffusion en Louvain-la-Neuve entre 1997 y 2001. En 2004 realizó su primer largo, Folie Privée, a la que siguieron Ça rend heureux y Nue propriété, ambas del 2006. Su obra posterior incluye Élève libre (2008), Avant les mots (2010), À perdre la raison (2012), Les chevaliers blancs (2015), L'économie du couple (2016), Continuer (2018), Les intranquilles (2021) y Un silence (2023). Su filmografía se caracteriza por personajes monstruosos cuyas motivaciones intenta comprender.

19:30 h

Ver detalles ↗

mar, 10 nov

Montevideo · Cinemateca Uruguaya

Cine

Emi

Argentina, Uruguay, 2025. Dirección: Ezequiel Erriquez. Guión: Ezequiel Erriquez. Elenco: Benicio Mutti Spinetta, Mara Bestelli, Luis Ziembrowski, Sofía Palomino, Alejandro Scaravelli, Miriam Odorico. Duración: 93 min. Emi, de 18 años, vive con sus padres en los suburbios de Buenos Aires. Tres meses atrás empezó a trabajar en un taller de reparación de motos en un barrio obrero. Emi quiere saber acerca de su familia biológica y pasa sus días armando el rompecabezas de su historia. La pregunta por la identidad está nítidamente planteada desde la puesta en escena a través de las afirmaciones que Emi intenta darse a sí mismo, especialmente, mediante su duplicación entre la imagen real y la imagen en el espejo; escisión que también vehiculiza su división entre la familia adoptiva y la familia biológica. También es interesante la locación de los cimientos de una obra en construcción donde Emi y su hermana mantienen conversaciones sobre la familia; signo de la identidad como algo que se construye y además al modo del rompecabezas, donde las piezas no encajan del todo o incluso pueden faltar. El director Ezequiel Erriquez construye una película pequeña en escala, pero intensa en su carga emocional. un relato íntimo que se apoya más en los silencios que en los grandes acontecimientos, apostando por una narrativa contenida y una sensibilidad casi minimalista. La película avanza orgánicamente, sin estridencias melodramáticas innecesarias, a través de retazos de conversaciones, de los silencios, de lo que se dice y se omite u oculta. Uno de sus puntos más fuertes es la naturalidad interpretativa. Las actuaciones se sienten orgánicas, con diálogos que parecen surgir más de la improvisación que del guion rígido. Esa frescura refuerza el tono realista y genera cercanía con el espectador. La protagonista transmite vulnerabilidad sin caer en el melodrama, lo cual es clave para sostener la película. El director Erriquez opta por una cámara cercana, muchas veces en planos cerrados, que enfatiza el mundo interior del personaje. La fotografía acompaña con una paleta sobria, casi apagada, que refuerza la sensación de introspección y aislamiento. No hay grandes alardes técnicos, la apuesta es clara: lo emocional por encima de lo espectacular. Ezequiel Erriquez estudió cine en la Universidad de Buenos Aires y en Binger Filmlab. Seleccionado por el Berlinale Talents, trabajó con la editora de Lars Von Trier, Molly Malene Stensgaard, en el montaje de su primera película A la cantábrica. Su segunda película, La crecida, fue premiada como mejor largometraje de ficción en el Festival de Roma. Emi, su tercera película, ganó el premio al mejor proyecto en el WIP del Festival de Cine de Tallin y tuvo su estreno mundial en 2025 en el Festival de Chicago.

19:45 h

Ver detalles ↗

mar, 10 nov

Montevideo · Cinemateca Uruguaya

Cine

Tierra de mi padre

Polonia, 2026. Dirección: Pawel Pawlikowski. Guión: Henk Handloegten, Pawel Pawlikowski. Fotografía: Lukasz Zal. Música: Marcin Masecki. Elenco: Sandra Hüller, Hanns Zischler, August Diehl. Duración: 82 min. Esta película polaca se centra en la relación entre Thomas Mann, -el escritor alemán, autor de obras mayores como La montaña mágica y Los Buddenbrock y ganador del Premio Nobel- y su hija Erika, actriz, escritora y piloto de rally. En el verano de 1949 en plena Guerra Fría, padre e hija emprenden un viaje emocional y desafiante en un Buick negro a través de una Alemania en ruinas, desde la Fráncfort dominada por Estados Unidos hasta la Weimar controlada por la Unión Soviética. Tras dieciséis años de exilio en Estados Unidos, Thomas Mann debió enfrentar no solo a una patria dividida, sino también a una profunda fractura dentro de su propia familia. El director Pawlikowski retoma el hilo donde lo dejó con sus galardonadas Ida y Cold War, explorando con estilo elíptico y conciso los temas de la identidad, la familia, el amor y la culpa en medio de la agitación y la confusión de la Europa de la posguerra. Las tres películas que integran lo que alguien ha llamado “una serie no oficial” son bastante diferentes entre sí, aunque están conectadas de maneras sorprendentes. Cada una está ambientada en Europa durante la Guerra Fría; cada una aborda temas políticos e históricos de una trascendencia innegable; cada una está narrada con imágenes en blanco y negro, brillantes y meticulosamente encuadradas, que Pawlikowski, quien comenzó como documentalista, edita con la precisión austera de un libro de fotografía cinematográfica. En la película asoman de nuevo los grandes temas de Ida y Cold War, especialmente el Holocausto y el auge del comunismo europeo. Sin embargo, lo que más une a las tres películas, y define la estética de Tierra de mi padre, es la forma en que Pawlikowski observa el drama con una mezcla de intimidad y distanciamiento. Tierra de mi padre es una película incisiva y ambiciosa que busca desvelar el alma desgarrada de Alemania tras la Segunda Guerra Mundial. Es también un retrato de los demonios familiares y la fama literaria. La película, fotografiada por Łukasz Żal, exhibe una meticulosidad casi fetichista, y está tan impregnada de ideas que resulta más estimulante que conmovedora. Los dos actores están impecables, con Erika, interpretada por Hüller, mordaz pero educada, conteniéndose hasta que ya no puede soportar el narcisismo reprimido del anciano, momento en el que da rienda suelta a sus emociones. Que Mann y su hija, en una elegante fiesta en un hotel de Frankfurt, vislumbren tantos vestigios de la era nazi, incluido el exmarido de Erika, que colaboró ​​con el régimen, es otro presagio de oscuridad. La seducción sobria de la cinematografía de Pawlikowski reside en la forma en que escenifica todo con una autenticidad fríamente objetiva, dotando a su momento histórico de una cualidad de máquina del tiempo, de modo que el espectador se sienta allí mismo, entre las ruinas de Alemania en 1949, presenciando los vaivenes de la historia.

21:00 h

Ver detalles ↗

mar, 10 nov

Montevideo · Cinemateca Uruguaya

Cine

Naza

Reino Unido, 2026. Dirección: Yuval Abraham, Rachel Szor. Guión: Rachel Szor, Yuval Abraham. Fotografía: Jonathan Glazer. El término “NAZA” es un acrónimo de la expresión militar hebrea nezek agavi que puede traducirse como “daño colateral”, y alude a las víctimas civiles de una guerra, en este caso la que las Fuerzas de Defensa de Israel llevan a cabo contra Hamas y la población de Gaza. Este documental indaga en los sistemas de inteligencia militar israelíes y el uso de tecnologías de vigilancia e inteligencia artificial durante esta guerra. La película recoge testimonios anónimos de 24 integrantes y ex integrantes del aparato militar y de inteligencia israelí. Sus relatos examinan cómo se identifican objetivos militares, cómo se toman decisiones sobre ataques y cómo se evalúan las muertes de civiles. El documental se apoya en investigaciones periodísticas publicadas anteriormente por The Guardian, +972 Magazine y Local Call, y busca mostrar cómo y hasta que punto las decisiones militares y el lenguaje burocrático normalizan la muerte de inocentes. Los directores israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor habían realizado previamente con los palestinos Basel Adra y Hasam Ballal el oscarizado documental No Other Land, sobre la lucha de los habitantes palestinos de Masafer Yatta, en la Cisjordania ocupada, frente a la destrucción de sus viviendas y el desplazamiento de sus comunidades por parte de las autoridades israelíes. Naza, su nueva película viene de recibir una ovación de 25 minutos en el Festival de Venecia y el Premio Especial del Jurado por lograr recabar los testimonios de aquellos funcionarios directamente involucrados en diseñar los sistemas y ejecutar los planes que han llevado al asesinato indiscriminado de 75.000 palestinos. Imaginen llenar hasta la última localidad del Estadio Centenario con hombres y mujeres adultas, pero también con niños y niñas, ancianos y bebés y matarlos a todos. Pero un Estadio Centenario lleno no son 75.000 personas. Todavía faltaría llenar el Antel Arena para matar 15 mil mas. Y eso sin contar los 175.000 heridos, la enfermedad, el hambre, la destrucción de Gaza. La película plantea preguntas éticas sobre la responsabilidad humana cuando se emplean sistemas tecnológicos en operaciones militares y sobre el enmascaramiento de los crímenes de guerra contra la población civil bajo la premisa de que no hay inocentes en Gaza. Si ya de por sí es terrible el concepto de “daño colateral” el documental muestra cómo es ir más allá. ¿Cómo se puede alegar que el daño es “colateral” cuando se bombardean deliberadamente los hogares por la noche? ¿Cómo puede presentar estos asesinatos como “incidentales” cuando se admiten hasta 500 víctimas inocentes por cada objetivo? Alguien ha dicho ya que el film es una actualización y un registro casi clínico del tema de la banalidad del mal. Sin embargo no sería errado alegar que se ha inaugurado, además, la etapa de su fruición, al transformarlo en diversión y entretenimiento. Yuval Abraham es un periodista de investigación, cineasta y traductor de árabe y hebreo nacido en Beerseba, Israel, en 1995. Su trabajo periodístico se centra en el conflicto israelí-palestino, la ocupación y las políticas militares israelíes. Por su parte, Rachel Szor es cineasta, directora de fotografía, montadora y periodista de investigación israelí, basada en Jerusalén. A diferencia de Abraham, cuya trayectoria pública está muy ligada al periodismo de investigación, Szor destaca también por su trabajo visual. El gobierno israelí ha reaccionado a la película con dos estrategias que se contradicen: por un lado alegar que lo que narra la película de Abraham y Szor no es verdad y generar a toda velocidad un mediometraje de 49 minutos también llamado Naza -con el subtítulo “la historia verdadera”- en un intento de que la gente confunda el uno con el otro ya que se aloja en un sitio llamado nazadocumentary.com, un film que imita el estilo del original (reportajes anónimos en las azoteas de Tel Aviv). Por otro, ha amenazado con quitarles la ciudadanía a los cineastas y ha ordenando una investigación para identificar a los 24 soldados y funcionarios de inteligencia que dieron su testimonio para proceder a “la apertura de una investigación penal y el enjuiciamiento por delitos graves contra la seguridad de la información, difamación criminal y por perjudicar los intereses diplomáticos y de seguridad de Israel”.

21:25 h

Ver detalles ↗

mar, 10 nov

Montevideo · Cinemateca Uruguaya

Cine

Diciembre

Argentina, Uruguay, 2025. Dirección: Lucas Gallo. Guión: Lucas Gallo. Imágenes de archivo con la presencia de Carlos Menem, Fernando de la Rúa, Federico Ramón Puerta, Adolfo Rodríguez Saá Duración: 105 min. Diciembre es una crónica atmosférica de la crisis de 2001 en Argentina, un levantamiento político, económico y social impulsado por la revuelta “¡Que se vayan todos!”. La película reconstruye aquel momento con material de archivo restaurado, capturando la espontaneidad de las protestas y la inestabilidad política que llevó a la renuncia de cinco presidentes. A través de material televisivo, sumerge al espectador en una experiencia en tiempo real de este período crucial en la historia argentina. La película funciona como un recordatorio de una situación que todo el tiempo parece estar a punto de volver a suceder –más de uno pensó que algo así podía pasar luego de las elecciones legislativas del año pasado en Argentina, y, para los que no vivieron ese momento, o eran muy pequeños, deja muy en claro las similitudes que existen con algunas de las cosas que suceden actualmente. El catálogo incluye explicaciones acerca de lo que fue el “corralito” (las restricciones bancarias que limitaron la extracción de dinero de los bancos), la salida a la calle de miles de personas al grito de “¡Que se vayan todos!”, la renuncia del presidente Fernando de la Rúa y la enorme inestabilidad política que llevó a que Argentina tuviera cinco presidentes en pocos días. Lo particular de Diciembre es que está construido íntegramente con imágenes televisivas de la época. No es el típico documental con entrevistas actuales y un narrador que explica lo que pasó: busca que el espectador experimente los acontecimientos casi como si estuviera viendo las noticias en diciembre de 2001. El trabajo sobre el material es sutil y lo más completo posible, dejando en evidencia las contradicciones, manipulaciones y zonas grises de la época. Y lo hace sin instalar de una manera ostensible una única lectura sobre lo que pasó y de la manera en la que se actuó. Además de recordar la crisis, el documental invita a pensar en cómo se repiten ciertos problemas económicos y políticos a lo largo del tiempo, y en qué sucede cuando la población siente que sus representantes ya no responden a sus necesidades. En ese sentido, no habla solamente del pasado argentino: también propone reflexionar sobre el presente y sobre las consecuencias sociales de determinadas decisiones económicas. Como se sabe, a largo plazo no se fue nadie, y varios volvieron trayendo a los amigos. Lucas Gallo es un documentalista, guionista, fotógrafo y montajista argentino nacido en 1980. Su trabajo se destaca por explorar la memoria histórica, la política y la manera en que las imágenes construyen la percepción del pasado y del presente. Se formó en cine en Argentina, España y Cuba, y es conocido especialmente por realizar documentales construidos a partir de imágenes de archivo, en particular registros televisivos históricos. Una película notoria suya es 1982 (2019), que reconstruye la guerra de Malvinas a través de emisiones de la televisión argentina de la época. La película permite observar cómo los medios presentaron el conflicto durante la última dictadura militar. Un conocedor de la obra de Gallo ha señalado como uno de sus rasgos de interés es que no utiliza el archivo solamente para ilustrar una historia, sino que convierte las propias imágenes en el centro del relato. Al recuperar registros televisivos originales, permite examinar el discurso de los medios, la construcción de la memoria colectiva y las contradicciones de la historia política argentina. Diciembre es un buen ejemplo de su estilo.

21:40 h

Ver detalles ↗