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La cronología del agua

Reino Unido, Reino Unido, Francia, Estados Unidos, Letonia, 2025. Dirección: Kristen Stewart. Guión: Andy Mingo, Kristen Stewart, sobre memorias de Lidia Yuknavitch. Fotografía: Corey C. Waters. Producción: Scott Free Productions, CG Cinéma, NeverMind Productions, Forma Pro Films. Elenco: Imogen Poots, James Belushi, Thora Birch, Tom Sturridge, Earl Cave. Duración: 128 min. La cronología del agua es un ejercicio de lenguaje cinematográfico rupturista y con un certero sentido narrativo, centrado en la fascinante manera de contar la infancia, el curso de los traumas, la formación como poeta, la procura del poliamor o las parejas sucesivas de un personaje femenino en palpitante evolución y a quien pone rostro y cuerpo durante sus más de dos horas casi en cada plano una magnífica Imogen Poots. Y resulta realmente llamativo el conocimiento que la novel directora Kristen Stewart –célebre por su trabajo como actriz en films como la saga Crepúsculo pero también como coprotagonista junto a Juliette Binoche en films como Clouds of Sils Maria de Olivier Assayas– posee de la Norteamérica de los 60 y 70 y la contracultura, cómo la película parece respirar influencias de Philip Roth y de Ken Kesey, encarnado aquí por Jim Belushi. Igualmente, no es nada complaciente u oportunista la manera en que transita por temas como los abusos paternos. Stewart adapta un libro autobiográfico de Lidia Yuknavitch, y logra una película incómoda, con una estructura narrativa donde los recuerdos amargos, las sensaciones y el dolor se hacen palpables como una especie de memoria traumática desoladora. La historia sigue a Lidia en diferentes momentos de su vida, una infancia marcada por abusos y violencia familiar, una adolescencia dispersa teniendo a la natación como vía de escape de sus conflictos internos, y una edad adulta marcada por el sexo convulsivo, las adicciones y la autodestrucción. La estructura narrativa es no lineal, con una cámara que se pega literalmente a la excelente actriz Poots, cuya entrega al papel corresponde destacar. El relato avanza a través de recuerdos que irrumpen sin aviso, mezclando distintas etapas vitales de la protagonista en un montaje discontinuo que evita cualquier lectura cómoda. Kristen Stewart no pretende aclarar ni ordenar, sino introducir al espectador en un pasado que permanece activo, doloroso y siempre latente. La propuesta visual refuerza ese carácter físico y visceral. El rodaje en 16 mm, la cámara en mano y una fotografía de superficies rugosas aportan una sensación de aspereza que atraviesa toda la película. El agua adquiere un papel central como símbolo y espacio narrativo, asociado tanto al alivio como al enfrentamiento con el trauma. Stewart utiliza el cuerpo, el movimiento y la imagen como ejes narrativos fundamentales, mostrando un control consciente del lenguaje cinematográfico. El film construye una historia, una época, y queda claro que ha nacido una mirada de cineasta que ha llegado para quedarse. En el sitio web RogerEbert, Sheila O’Malley ha señalado: “Stewart lo capta todo: la calidad de la prosa experimental y provocadora de Yuknavitch, así como la continuidad en la que se encuentra como escritora, el terreno contracultural del que surgió. En colaboración con Imogen Poots , quien ofrece una interpretación asombrosa como Lidia, Stewart evoca con audacia el material original. Hay un aspecto de collage en la disposición de las imágenes, pero Stewart no teme ser directa. Este proyecto ha estado gestándose durante años. Stewart adaptó el material, y se puede sentir su amor por él.”

21:05 h

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Los colores del tiempo

21:10 h

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Cuerpo celeste

Chile, Chile, Italia, 2025. Dirección: Nayra Ilic García. Guión: Nayra Ilic García. Fotografía: Sergio Armstrong. Música: David Tarantino. Producción: Oroilms, Horamágica, Disparte. Elenco: Mariana Loyola, Néstor Cantillana, Daniela Ramírez, Nicolás Contreras, Helen Mrugalski. Duración: 97 min. Chile, verano de 1990. Mientras la dictadura llega a su fin, Celeste, de quince años, pasa las vacaciones con su familia en una playa junto al desierto de Atacama, cuando un evento fractura su adolescencia y hunde a su madre en una crisis. Meses más tarde, bajo la promesa de un eclipse solar, regresa a ese lugar, pero ya nada es lo mismo. En un país que cambia, ella deberá encontrar su propio camino. La directora Ilic ha manifestado que la esencia de su película radica en la importancia de “vivir el duelo y entender el dolor, no solamente el propio, si no el de una nación; de una reflexión, porque en la medida de que no seamos conscientes vamos a seguir repitiendo siempre los mismos errores como humanidad”. La película establece un paralelismo entre la transición que hace en la película el personaje de Celeste con el tránsito de la dictadura de Pinochet a otra “época más luminosa” en Chile. “Me parecía que era una buena manera de abordar sutilmente el encuentro de estos dos momentos, y encontrar cómo esa hebra fina se iba acomodando para hablar también de capas más diversas”, sostiene. Hay naturalmente mucho de historia personal en una película sobre una dictadura que se ha sufrido personalmente, pero la directora investigó y leyó mucho: antes de escribir su guion. Una de sus muy deliberadas opciones fue que la historia, con un asunto a menudo narrado desde un punto de vista masculino, fuera contada a través de los ojos de un personaje femenino, la hija de la protagonista (también un personaje femenino, claro). Ciertamente ayudó que la joven actriz Mrugalski, que encarna a la hija, fuera apoyada durante el rodaje por una madre que tenía la misma edad de su personaje en la época en que transcurren los hechos. Según lo ha señalado el crítico Peter Martin en Screen Anarchy, la película "retrata con precisión el dolor y la agonía que acompañan a la adolescencia, cuando los adultos se dan cuenta por fin de que eres lo bastante mayor para escuchar la verdad sobre tus seres queridos." Cuerpo Celeste es el segundo largometraje de la directora y guionista Nayra Ilic García. cuya ópera prima, Metro cuadrado (2011), obtuvo un premio en el FIC Valdivia y tuvo su estreno mundial en el Palm Springs International Film Festival. Por su parte, Cuerpo Celeste fue seleccionado por el Torino Film Lab y los foros de coproducción de los festivales de San Sebastián, Málaga y FIC Valdivia, obteniendo el premio WIP Latam en San Sebastián. Con más de una década de experiencia docente, Ilic ha impartido clases en las principales universidades de Chile.

21:15 h

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El amor que permanece

21:30 h

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Sólo por una noche

22:10 h

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El heladero: dulce sabor a muerte

23:45 h

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Minions & monstruos

15:05 h

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Toy Story 5

15:10 h

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Hangar Rojo

Chile, Argentina, Italia, 2026. Dirección: Juan Pablo Sallato. Guión: Luis Emilio Guzmán. Fotografía: Diego Pequeño. Música: Alberto Michelli, MatteoMarrella. Elenco: Nicolás Zárate, Boris Quercia, Marcial Tagle, Catalina Stuardo. Duración: 81 min. Santiago de Chile, 11 de septiembre de 1973. Mientras el golpe militar se despliega por el país, el capitán Jorge Silva, jefe de Inteligencia de la Fuerza Aérea, recibe una orden que cambiará su vida para siempre: transformar la Escuela de Aviación, donde hoy enseña a jóvenes cadetes, en un centro de detención y tortura. Convencido de que el horror durará poco, Silva intenta mantenerse al margen. Pero la llegada del coronel Jahn, un viejo rival que regresa con un poder desmedido y asuntos pendientes, obliga a Silva a enfrentarse no solo a su pasado, sino también a sus creencias más profundas. A medida que los camiones comienzan a llenar el hangar de prisioneros y el ejercicio del poder se vuelve cada vez más despiadado, Silva se encuentra atrapado en una encrucijada imposible: la desobediencia podría costarle la vida, pero obedecer, también. A diferencia de otras películas sobre golpes de Estado centradas en generales y decisiones estratégicas, aquí la historia se vive a nivel de la calle, desde la perspectiva de un oficial que debe enfrentarse a órdenes que contradicen sus propias convicciones. El personaje arrastra además una circunstancia particular: antes del golpe había evitado un atentado contra Salvador Allende, lo que lo convierte en un hombre sospechoso para los militares golpistas. Sin embargo, su formación en inteligencia hace que los nuevos mandos recurran a él para participar en los interrogatorios a los detenidos. El punto de inflexión llega cuando Silva recibe la orden de aplicar la llamada “ley de fugas” a un camión lleno de prisioneros, una decisión que marcará definitivamente su destino. Inspirado en hechos reales y rodada en blanco y negro, Hangar rojo es el primer thriller latinoamericano que se adentra en el corazón del mundo militar durante las dictaduras de los años 70. Un relato contenido, percutante, con un montaje que la acerca a la oscarizada Hijo de Saul. El uso del blanco y negro refuerza tanto la dimensión simbólica como la histórica del relato, evocando la memoria de una época marcada por la oscuridad y la ambigüedad moral. Más allá de lo estético, esta elección subraya el tono del film y el estado emocional de sus personajes. En conjunto, la película funciona como una microhistoria que ilumina un episodio mayor, recordando que incluso dentro de sistemas opresivos existen fisuras humanas. Más que reconstruir el pasado, plantea una reflexión sobre la responsabilidad individual y la necesidad de no repetir los errores de la historia. Medido en lo íntimo, con un manejo de la elipsis formidable que la sitúa como cine político urgente (en un Chile que conoce un retorno a gobiernos que no abjuran de lo que fue la dictadura de Pinochet) y al tiempo con un clasicismo y rigor a la altura de La patrulla infernal de Stanley Kubrick.

15:20 h

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El sol sale para todos

China, Francia, 2025. Dirección: Shangjun Cai. Guión: Cai Shangjun, Nianjin Han. Fotografía: Kim Hyunseok. Música: Guo Sida. Producción: Guangzhou Mint Pictures, Tianjin Maoyan Weying Media. Elenco: Zhilei Xin, Songwen Zhang, Shaofeng Feng. Duración: 131 min. Él se sacrificó por amor, asumiendo la culpa de un crimen que ella cometió. Incapaz de recompensarlo por el sacrificio, ella parte para comenzar una nueva vida. Muchos años después, los antiguos amantes se reencuentran, pero sus vidas cotidianas, distanciadas pero entrelazadas, revelan gradualmente su trágico pasado. Mientras uno busca la redención, el otro anhela la liberación. No todos los romances trágicos comienzan con sus dos protagonistas encontrándose por casualidad en un hospital público abarrotado, al que ambos acuden por motivos poco alentadores. Sin embargo, así es como Meiyun (Xin Zhilei), una comerciante de treinta y tantos años, termina viendo a Baoshu (Zhang Songwen) por primera vez en muchos años. Verlo encorvado y con aspecto enfermizo, le produce escalofríos. O tal vez se asusta porque acaba de hacerse una ecografía que confirma su embarazo, aunque el médico aún no detecta latidos. Cai, quien coescribió el guion con Han Nianjin, crea mucha intriga desde el principio, pero también oculta mucha información clave sobre la misteriosa conexión entre Meiyun y Baoshu. Este último desaparece por un tiempo para que podamos centrarnos más en la vida monótona de Meiyun. Durante el día, ella transmite en vivo videos de moda desde su tienda de ropa en un centro comercial. Por la noche, a veces se acuesta con un hombre casado y paranoico (Shaofeng Feng), quien está siendo chantajeado por su aventura y parece reacio a comprometerse con algo más serio. El veterano realizador chino CaiShangjun ha explicado sus razones: “Sacrificio y redención: esta es una historia sobre la moral. Un hombre se sacrifica por amor y asume la culpa de un crimen cometido por su amada. Sin embargo, ella lo traiciona y lo abandona. El hombre y la mujer son amantes, pero también se guardan rencor. Cuando se reencuentran muchos años después, descubren que el arrepentimiento no trae perdón y el sacrificio no trae justicia. En una última despedida en la estación de autobuses, emprenden un último y desesperado intento de redención”. El director Cai, autor de obras tan estimables como People Mountain, People Sea (2011), estiliza una tragedia cuyo material podría haber tendido al subrayado en exceso. Y la condensa en el equilibrio de dos tiempos esenciales en la vida de sus protagonistas y en su romance de partida truncado. Merece mención especial el trabajo de su actriz protagonista, Xin Zhilei, ganadora de la Copa Volpi a la interpretación en la Mostra de Venecia 2025.

15:40 h

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Yo, Narciso

“YO, NARCISO” Rocío Flores (Oreiro), una profesora universitaria de sociología, está enfocada en la escritura de un libro sobre el narcisismo moderno. Para entender mejor a su “sujeto”, decide estudiarlo desde adentro y elige como caso a Máximo Rey (Adrián Suar), un carismático cirujano estético. Bajo una falsa identidad, Rocío se hará pasar por una paciente interesada en un retoque estético, y de esta manera busca observar y analizar a Máximo sin ser descubierta. Pero las consultas pronto se convierten en citas donde él despliega todo su encanto. Rocío, decidida a mantener el vínculo sin caer en su juego, inventa excusas cada vez más absurdas para mantenerlo a raya. Cuando Máximo descubre que se ha enamorado de ella, “el experimento” se descontrola, poniendo en riesgo la intención de Rocío de completar su investigación sin convertirse en víctima de su propio plan. Dirección: Adrián Suar Con: Natalia Oreiro, Adrián Suar, Eleonora Wexler, Moria Casán,Julieta Zylberberg, Andy Chango y Gustavo Bermúdez. Argentina - 2026 - 94 min - Apta mayores 18 años hasta su calificación

17:00 h

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Gioia mia - un verano en Sicilia

17:15 h

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Bienvenido a la casa de muñecas

Ciclo: Queremos tanto a Juan (En memoria de Juan Pablo Rebella) Estados Unidos, 1996. Dirección: Todd Solondz. Elenco: Heather Matarazzo, Angela Pietropinto, Victoria Davis. Duración: 87 min. Dawn es una niña de once años que se siente incomprendida tanto en el instituto como en su propia casa. Fea, desaliñada y enamoradiza, la niña intentará salir adelante a pesar de vivir en un ambiente bastante enrarecido. Un retrato ácido de la sociedad americana, que sobrevalora la presencia física, la popularidad y la normalidad social. Con el espíritu provocativo, inquieto, a menudo molesto del director Solondz. “La vimos el mismo día que Esperando a Guffman, en la casa de Arauco Hernández, en VHS alquilados del VIC y en este orden. Corky St. Clair pasó a ser un referente y un chiste continuado. Algunos años después conocimos a Todd Solondz en el festival de Río de Janeiro. Se había hecho muy amigo de Jorge Jellinek que nos lo presentó.” (Pablo Stoll)

18:10 h

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Pepita la Pistolera

“PEPITA LA PISTOLERA” En 1985 una madre de un recién nacido mata a tiros a tres delincuentes que irrumpen en su casa. El caso se vuelve muy mediático y ella es bautizada Pepita, la pistolera. Pero no es la mujer inocente y vulnerable que todos creen. Antes de convertirse en asesina, Margarita Di Tullio ya era una ladrona profesional y una maestra del engaño. También, la madama más glamorosa de Mar del Plata en un mundo dominado por hombres. El triple crimen sólo hace crecer el mito de esta reina del hampa, la mujer más famosa de la historia criminal argentina. Dirección:Lucía Puenzo Con: Luisana Lopilato, Claudio Tolcachir, Alberto Ajaka, Charo López, Marcelo Subiotto. Argentina - 2026 -106 min - Apta mayores 15 años

19:00 h

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Recuerdos de la princesa Mumbi

Kenia, Suiza, Arabia Saudita, 2025. Dirección: Damien Hauser. Guión: Damien Hauser. Fotografía: Damien Hauser. Elenco: Abraham Joseph, Shandra Apondi, Samson Waithaka, Samson Waithaka. Duración: 79 min. En 2093, el joven cineasta Kuve viaja al remoto pueblo de Umata para documentar las secuelas de una guerra devastadora que prohibió la tecnología posterior a la década de 2040 y devolvió a la vida a antiguos reinos. Allí conoce a Mumbi, una cineasta local que lo desafía a realizar su película sin depender de la inteligencia artificial, utilizando únicamente sus manos, sus ojos y su corazón. Mientras Kuve busca encontrar su propia voz en este mundo desconectado, comienza a comprender poco a poco que, incluso en un mundo roto, hay belleza en esos pequeños momentos humanos que tan a menudo pasamos por alto. Damien Hauser, el director suizo-keniano crea un África futurista para dar vida a una obra muy inventiva, mezcla de ciencia ficción, romance y falso documental. Un film complejo, con muchas capas de sentido, lleno de música, colorido e ideas y con un ingenio aplicado a la producción, que asombra. Hauser es el guionista, productor, compositor, montador y director de fotografía de Recuerdos de la princesa Mumbi, una propuesta de un corazón inmenso y una inventiva desaforada que logra que las limitaciones presupuestales y las condiciones de producción “entre amigos” no solo no se noten, sino que sean una fortaleza. Damien Hauser nació en Zúrich en 2001, hijo de padre suizo y madre keniata. Con sólo siete años comenzó a producir cortometrajes. Estudió cine en SAE de 2016 a 2020 y trabajó para la productora comercial Filme von Draussen de 2018 a 2020. Para poder practicar su oficio filmó cortometrajes ayudado por amigos y realizó proyectos varios: vídeos musicales, obras de teatro y anuncios. Sin embargo, su mayor pasión siempre ha sido la narrativa de ficción. En 2020 Hauser viajó a Kenia para rodar su primer largometraje, Blind Love, y ha señalado que al tratar con el lado africano de su familia una de las cosas que más le llamó la atención fue el conflicto intergeneracional en cuanto a la manera de ver el mundo. El cineasta señala: “La generación más joven tiene acceso a la cultura occidental desde las redes sociales, mientras que los mayores crecieron en una Kenia en la que la cultura propia y las viejas tradiciones eran mucho más relevantes”. Admitiendo que el hecho de haber nacido y criado en Suiza hace que su perspectiva sea básicamente occidental, se propuso que su cine diera voz al mayor número posible de perspectivas, tanto el punto de vista del público occidental como el del africano. La idea recurrente en sus películas, insiste, es el afán de cada uno por seguir los propios sueños, y éste es un tema con el que todo el mundo puede identificarse.

19:30 h

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La guerra de los últimos

19:45 h

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Un futuro brillante

20:00 h

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¿Qué Pasó Con Nath_666?

“¿QUÉ PASÓ CON NATH_666?” Natalia, una joven influencer montevideana obsesionada con la brujería, recluta a algunas compañeras para realizar experimentos esotéricos para su canal y así volverse viral. Pero, lo que supuestamente sería un ritual sencillo se sale de control y al tratar de solucionarlo terminan liberando algo mucho peor. Dirección: Jorge Perez Rivero Con: Anahí Lúgaro, Florencia Milman, Milagros Melgarejo, María Eugenia Múñoz, Lautaro Correa, Aragorn Bruno. Uruguay - 2025 - 76 min - Apta mayores de 15 años

21:00 h

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No hay hombres buenos

Alemania, Francia, Noruega, Dinamarca, Afganistán, 2026. Dirección: Shahrbanoo Sadat . Guión: Anwar Hashimi, Shahrbanoo Sadat. Fotografía: Virginie Surdej. Música: Harpreet Bansal, Kristian Eidnes, Therese Aune. Producción: Adomeit Film, La Fábrica Nocturna Cinéma, Motlys, Wolf Pictures, Amerikafilm. Elenco: Shahrbanoo Sadat, Anwar Hashimi, Liam Hussaini, Yasin Negah, Torkan Omari. Duración: 103 min. Esta película dirigida y protagonizada por ShahrbanooSadat, parte de un tema que en otras manos podría haber derivado en un artefacto solemne o en un melodrama de tesis: la condición subalterna de la mujer en Afganistán, incluso durante los años en que el país era presentado por Occidente como un laboratorio democrático. Sadat, sin embargo, se las arregla para evitar ese camino fácil. Su película observa antes que proclama y encuentra en la respiración de lo cotidiano un lugar más fértil que en la retórica del cine de denuncia. Ambientada en el Kabul inmediatamente anterior a la entrada de los talibanes en 2021, la historia sigue a una joven aspirante a camarógrafa de informativos que intenta abrirse paso en un entorno laboral y social donde el machismo no es una anomalía sino una estructura. La protagonista (periodista, madre, exesposa, mujer que vuelve a enamorarse) recorre ese paisaje humano con una mezcla de obstinación y escepticismo que Sadat interpreta con una naturalidad admirable. No es casual que la directora haya decidido ponerse ella misma delante de la cámara: su presencia funciona como una declaración de principios, pero nunca como un gesto subrayado. Uno de los aciertos del film está en su capacidad para dejar que la opresión masculina emerja de los pliegues de la vida cotidiana: en las discusiones domésticas, en los códigos sociales que marcan los límites de lo permitido, en la manera en que los hombres ocupan el espacio público con una comodidad heredada. Pero Sadat introduce también una corriente de humor que impide que el relato se vuelva asfixiante. A veces es un humor leve, casi cómplice; otras veces adopta una forma más gruesa, como en la escena en la que una amiga regresa de Estados Unidos con un vibrador que provoca una mezcla de escándalo, curiosidad y felicidad entre las mujeres del grupo. El film se mueve con soltura entre la comedia íntima, el retrato sentimental y el comentario político, como si Sadat supiera que la vida (incluso en los contextos más opresivos) rara vez se organiza en un solo registro emocional. Pensada para un público amplio, la película no está exenta de ciertos pasajes más convencionales, especialmente en los conflictos con el exesposo, donde el guion se permite algunos atajos dramáticos. Y quizá el desenlace, precipitado por la irrupción del terror talibán se inclina hacia una grandilocuencia melodramática que desentona ligeramente con la delicadeza de la que el film venía haciendo gala. Aun así, esta película confirma a ShahrbanooSadat como una cineasta de mirada lúcida y una actriz de notable precisión. Y, sobre todo, como una narradora capaz de encontrar humanidad en medio de una historia que el mundo suele contar solo desde la tragedia.

22:15 h

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Los hermanos caradura

Ciclo: The apartment station presenta: Trasnoches en Cinemateca / The Blues Brothers Estados Unidos, 1986. Dirección: John Landis. Guión: Dan Aykroyd, John Landis. Fotografía: Stephen M. Katz. Música: Elmer Bernstein. Elenco: Dan Aykroyd, John Belushi, Henry Gibson, Carrie Fisher, James Brown, Kathleen Freeman, Aretha Franklin, John Candy, Ray Charles, Charles Napier, Cab Calloway. Duración: 132 min. Tras pasar años en la cárcel por robo a mano armada, Jake Blues es puesto en libertad por buen comportamiento. Sale de prisión vestido de la misma forma en la que entró: traje y sombrero negro y gafas oscuras. Vestido de idéntica manera, lo espera en la puerta de la prisión su hermano Elwood, que lo informa de que el orfanato de Santa Elena, el único hogar que conocieron, corre el peligro de desaparecer por razones económicas. Sin dudarlo ni un momento los hermanos se ponen manos a la obra. Y allí empieza la locura, que le ha garantizado al resultado desde entonces un prestigio de “película de culto”, Las razones son probablemente varias, pero la principal es, tal vez, su adecuada combinación de música, comedia, persecuciones y un aire generalmente desquiciado cuyos orígenes no resulta difícil rastrear: el programa Saturday Night Live. La música es naturalmente uno de los puntos fuertes de la película, y un repaso incompleto de los créditos alcanza para detectar en ella las presencias de leyendas del blues y el soul, como James Brown, Aretha Franklin, Ray Charles, Cab Calloway y John Lee Hooker. Por su parte, Aykroyd y Belushi estaban realmente interesados en la música y el proyecto nació alrededor de ellos. El humor es otra carta fundamental: un humor seco, absurdo y muchas veces deliberadamente exagerado. Los protagonistas casi nunca reaccionan ante el caos como lo haría una persona normal, y las persecuciones de autos suceden a un nivel caricaturesco: cientos de coches destruidos, policías por todas partes y situaciones cada vez más imposibles. Alguien ha dicho ya que el lema de la película podría ser: "vamos a ver cuántos autos podemos romper". Sin embargo Los hermanos caradura no es simplemente una comedia con canciones ya que el film presenta al blues, soul y R&B como algo central de la cultura estadounidense, una parte indisoluble de esta. Belushi, que murió demasiado pronto, tenía además en ese momento una celebridad derivada de Saturday Night Live y de la comedia del propio John Landis Colegio de animales (pintorescamente prohibida durante un tiempo por la dictadura uruguaya porque mostraba a estudiantes revoltosos), y su energía contrastada con la interpretación más seca de Aykroyd genera una química muy particular. La película fue igualmente famosa también por lo difícil y costoso que fue hacerla: la cantidad de autos destruidos y la escala de algunas escenas era descomunal. Todo eso, junto con su humor y una considerable identidad visual y sonora siguen alimentando el culto.

23:30 h

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Dos extraños amantes

Ciclo: Queremos tanto a Juan (En memoria de Juan Pablo Rebella) Estados Unidos, 1977. Dirección: Woody Allen. Elenco: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts. Duración: 93 min. Woody Allen altera los códigos clásicos de la comedia y crea un híbrido que mezcla elementos de la comedia y el ensayo cultural, logrando un producto original y muy eficaz para expresar sus opiniones respecto a los vínculos de pareja, la comunicación, y el mundo intelectual neoyorquino de finales de los setenta “Juan la debe haber visto 100 veces. Tiene muchos trucos narrativos. El diálogo con subtítulos, por ejemplo, que después usamos en 25 Watts.” (Pablo Stoll)

18:10 h

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Mi Nueva Forma de Ver

“MI NUEVA FORMA DE VER” Lucía (46), productora audiovisual uruguaya, viaja a un encuentro familiar a Maastricht, Países Bajos. Inesperadamente sufre varios ACV. Sobrevive, pero su vida cambia por completo. Tras meses de rehabilitación lejos de casa, regresa a Uruguay diagnosticada con Síndrome de Balint, una condición neurológica rara: puede ver, pero no organizar lo que ve, enfrenta un mundo distorsionado mientras intenta recuperar su autonomía. Mi nueva forma de ver acompaña su íntimo proceso de adaptación Una película de Lucía Gaviglio Salkind y Andrés Varela. Uruguay - Holanda - 2026 - 78 min - Apta mayores 18 años hasta su calificación

19:00 h

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Cine Arte - El Cielo y El Infierno

“EL CIELO Y EL INFIERNO” (Tengoku to Jigoku, 1963,Japón, 143 m) Dir: Akira Kurosawa Elenco: Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Kyoko Kagawa, Isao Kimura, Tatsuya Mihashi, Kenjiro Ishiyama, Takeshi Kato, Takashi Shimura, Jun Tazaki, Nobuo Nakamura, Minoru Chiaki, Tsutomu Yamazaki, Eijiro Tono. En un momento crucial de su vida financiera, Gondo (Toshirô Mifune), un directivo de una importante empresa de zapatos, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado. El rescate exigido es una gran cantidad de dinero, pero Gondo la necesita para cerrar una negociación que le dará el control de la empresa. "Uno de los mejores thrillers de detectives jamás rodados" The New York Times Apta mayores 18 años

17:00 h

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Los excéntricos Tenenbaum

Ciclo: Queremos tanto a Juan (En memoria de Juan Pablo Rebella) Estados Unidos, 2001. Dirección: Wes Anderson. Guión: Owen Wilson, Wes Anderson. Fotografía: Robert D. Yeoman. Música: Mark Mothersbaugh. Elenco: Gwyneth Paltrow, Ben Stiller, Owen Wilson, Gene Hackman, Anjelica Huston, Luke Eilso. Duración: 108 min. Anderson aplica la manera de un forense con un sentido del humor seco y esquinado y un gusto exquisito y barroco por la recreación de ambientes para mostrar las miserias de una familia sui generis que en el fondo es una metáfora acerca de cualquier familia. A través de lo concreto la película llega a lo universal mediante un halo esperpéntico y distanciado que transmite su verdadera intención: arañar con su sátira el velo cotidiano y cercano de la “normalidad”. “Cuando se estrenaron los Tenenbaum no parábamos de comentar cómo estos le debían todo a los hermanos Glass de JD Salinger. Un día Pablo Stoll me dijo que a Juan le había gustado mucho la película y me preguntó si Cinemateca tendría el poster para regalárselo. Ahí empezó una suma de voluntades para conseguirlo con la distribuidora, lo firmamos atrás poniendo algo así como ‘Una larga cadena para hacer a un niño feliz’ y se lo dimos en La Linterna Mágica. Como mandaron dos posters, uno de ellos está ahora colgado en la oficina de Cinemateca y es inevitable recordar la historia que lo trajo hasta aquí. Hasta ahora no me había fijado que Los excéntricos Tenenbaum es del mismo año que 25 Watts. Vista en perspectiva, la película de Stoll y Rebella envejeció mil veces mejor que la de Anderson”. (María José Santacreu)

17:05 h